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Inicios de la música electrónica y experimental – juntas o por separado – Capítulo 8: Béla Bartok, Milton Babbitt, James Tenney, György Ligeti, Pierre Boulez y +

10 agosto 2018
Inicios de la música electrónica y experimental – juntas o por separado – Capítulo 8: Béla Bartok, Milton Babbitt, James Tenney, György Ligeti, Pierre Boulez y +

En este octavo capítulo de inicios de la música electrónica y experimental, comenzamos  con el tercer movimiento para Música para cuerda, percusión y celesta, una de las obras más conocidas del compositor húngaro Béla Bartók. La partitura está fechada el 7 de septiembre de 1936.

El tercer movimiento de esta composición de Bela Bartok es sin duda el más original: una pieza lenta, característica del autor que presenta un efecto sonoro en los timbales consistente en pasar rápidamente de un sonido hasta otro más agudo o más grave haciendo que se escuchen todos los sonidos intermedios posibles dependiendo de las características del instrumento lo que en la fecha de composición de la obra era una técnica poco usual, así como una intervención prominente del xilófono.

La popularidad alcanzada por la Música para cuerda, percusión y celesta se evidencia en su frecuente utilización en películas y obras de cultura popular. El ejemplo más destacado es la inclusión del tercer movimiento en la banda sonora de El resplandor (The Shining), la película de Stanley Kubrick.  La escuchamos.

Continuamos con Milton Babbitt, compositor estadounidense, conocido por ser un pionero en la música electrónica y Serial. Más información sobre la música serial en https://es.wikipedia.org/wiki/Serialismo

En 1947, Babbitt escribió su obra Three Compositions for Piano (tres composiciones para piano), que es el primer ejemplo de serialización total en la música, una obra dos años anterior a Mode de valeurs et d’intensités (de Olivier Messiaen), y cinco años anterior a Polyphonie X de Pierre Boulez del que luego hablaremos

Escuchamos a continuación esta pieza

Al principio de los años cincuenta , Milton Babbit, Vladimir Ussachevsky y Otto Luening fundaron el estudio de la Universidad de Columbia.

Vladimir Alexeevich fue un compositor de música electrónica nacido en China. En 1951 comenzó a componer música electrónica .

En 1947, tras una temporada en la división de Inteligencia del Ejército de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial, se unió al cuerpo docente de la Universidad de Columbia, donde enseñó hasta su jubilación en 1980.  Junto con Otto Luening, Ussachevsky fundó, en 1959, como hemos dicho antes, el Columbia-Princeton Electronic Music Center en New York. Mientras actuaba como director del Electronic Music Center Ussachevsky especificó La noción del ADSR, un componente básico de los sintetizadores modernos, samplers e instrumentos electrónicos. ADSR sirve para definir las fases de la envolvente, por las cuales pasa cualquier sonido existente:

·Attack (Ataque): Tiempo que transcurre desde que se emite el sonido hasta que alcanza su punto de máxima amplitud. El ejemplo típico de un ataque lento es el que nos encontramos en un violín, mientras que un golpe de caja tiene un ataque rápido.

·Decay (Caída): Tiempo que transcurre desde que desciende del punto de máxima amplitud hasta una zona de amplitud estacionaria.

·Sustain (Sostenimiento): Tiempo que perdura la amplitud estacionaria, sin grandes variaciones apreciables.

·Release (Liberación): Tiempo que transcurre desde que la amplitud desciende de su zona estacionaria hasta que desaparece (cuando levantamos la tecla o pedal de un teclado)

Ussachevsky también enseñó y fue compositor residente en la Universidad de Utah.

Escuchamos a continuacion  Piece for Tape Recorder del año 1957

Otto Luening fue un compositor, profesor y director alemán-americano, y uno de los primeros pioneros de la música electrónica. y como hemos dicho antes fundador junto a Usachevsky y Babbit del Columbia-Princeton Electronic Music Center en New York.  Escuchamos a continuación Lowspeed del año 1952.

Continuamos con el americano Lejaren Hiller, compositor ante todo, investigador, químico y profesor por necesidad, Hiller fue uno de los pioneros en la utilización del ordenador con fines musicales en los años cincuenta.

En 1957 colaboró con Leonard Issacson en su Cuarteto de Cuerdas No. 4, Illiac Suite, el primer uso significativo de una computadora para componer música.

En 1958 Hiller fundó los Estudios de Música Experimental en la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign. Entre sus alumnos se encontraban compositores como James Fulkerson, Larry Lake, Ilza Nogueira, David Rosenboom, Bernadette Speach o James Tenney entre otras

Escuchamos su tema Nightmare Music del año 1961, pieza basicamente de música concreta, es decir, la producida por sonidos existentes en el mundo.

Antes hemos citado a James Tenney, uno de los alunnos de Lejaren Hiller. Tenney, ya fallecido, fue un compositor y teórico musical estadounidense.

Hizo importantes contribuciones musicales como plunderphonics (término para denominar al acto de tomar una o más grabaciones de audio ya existentes y modificarlas de alguna manera para así crear una nueva composición) , síntesis de sonido, composición algorítmica, música espectral, música microtonal y sistemas de afinación, incluyendo la entonación extendida. Sus escritos teóricos se refieren a la forma musical, la textura, el timbre, la consonancia, la disonancia y la percepción armónica.

Escuchamos la pieza de tenney llamada Collage No.1 (Blue Suede) del año 1961, temprana composición de plunderphonics (para cinta) muestreando y manipulando una grabación de Elvis Presley.

Seguidamente escuchamos a Ivor Darreg, compositor microtonal americano y creador de instrumentos experimentales. El músico estadounidense Charles Ives definía a los microtonos de manera humorística como las notas entre las teclas del piano. Más información sobre los microtonos en http://microtonalismo.com

Ivor Darreg, un contemporáneo de Harry Partch y un colega cercano de John H. Chalmers, Erv Wilson y Joel Mandelbaum, fue uno de los principales teóricos y profesionales estadounidenses de la entonación experimental y la construcción experimental de instrumentos

Darreg nació en Portland, Oregon. Dejó la escuela cuando era adolescente, pero tenía instalaciones autodidactas en por lo menos diez idiomas y una comprensión básica de todas las ciencias. Su verdadero amor era la música y la electrónica. Debido a su elección de la música, su padre lo echó, y él y su madre salieron por su cuenta con poca ayuda de nadie. En ese momento tomó el nombre de “Ivor”, que significa “hombre con arco” (por su talento como violonchelista) y “Daregg” (el retrógrado de “Gérard”), que pronto cambió por “Darreg”.

En los años cuarenta, Ivor construyó un violonchelo amplificado, un clavicordio amplificado y un órgano eléctrico, el oboe para teclado eléctrico y la batería para teclado eléctrico. El Clavicordio Amplificado y el Órgano Eléctrico ya no existen, pero el Teclado Eléctrico Oboe -al igual que el órgano, basado en circuitos de bloqueo de osciladores-, el Teclado Eléctrico de Tambor y el Violonchelo Amplificado siguen funcionando. Escuchamos algunas piezas de este inventor y músico Ivor Darreg, ya fallecido.

Continuamos con Pierre Boulez, compositor, pedagogo y director de orquesta francés cuya influencia en el terreno musical ha sido notable.

Se hizo director y compositor en el famoso teatro de Jean-Louis Barrault. Continuando la labor de figuras como Pierre Schaeffer y Edgar Varèse, fue un precursor de la música electrónica y la música por computadora.

Vamos a hacer mucho más hincapié en su labor como compositor de música electrónica, que no fue mucha.

A principios de 1950 compuso Etude I Sur un Son en los estudios de GRMC, los estudios de radio-televisión francesa para música electroacústica y concreta. La escuchamos.

Poésie pour pouvoir del año 1958 fue otra notable composición con electrónica de por medio del que tenemos poca información. Es una obra para solista, 3 orquestas y 4 cintas magnéticas. La Escuchamos

Una de las últimas obras y mejores obras de Pierre Boulez según nuestra opinión fue Anthèmes 2 para violín y dispositivo electrónico.  La Escuchamos.

György Ligeti fue un compositor húngaro de origen judío que está considerado uno de los más grandes compositores del siglo XX. Ligeti nació en Transilvania

A partir de 1933, el nazismo comenzó a extenderse por la que era la Hungría rumana. Así los judíos empezaron a sufrir una fuerte represión. Por aquella época, Ligeti quería estudiar matemáticas y física en la universidad de Cluj, pero el acceso a los estudios universitarios había sido negado a los judíos.

Se inscribió entonces en unos cursos de matemáticas y física que se impartían en una especie de universidad improvisada para judíos. Entre 1941 y 1942, Ligeti descubrió la música de Bartók, lo que le empujó a abandonar sus estudios en matemáticas y a decidirse definitivamente por la carrera musical.

Tuvo que abandonar sus estudios durante 1944 al ser llamado a filas. Sus padres, su hermano y otros parientes fueron deportados al campo de concentración de Auschwitz; su padre murió en 1945 en el de Bergen-Belsen, su hermano el mismo año en el de Mauthausen. Su madre fue la única superviviente. Probablemente él habría seguido el mismo destino de no haber sido reclutado para planificar trabajos de logística para el ejército húngaro en enero de 1944.

Al año siguiente volvió a retomar sus estudios en la Academia de Música de Budapest, donde estudió con Pál Kadosa, Ferenc Farkas, Zoltán Kodály y en la academia Liszt de Budapest con Sándor Veress (quien había sucedido a Bela Bártok en la cátedra de composición), graduándose en 1949.  Ligeti consideraba a Sándor Veress como un gran músico injustamente poco reconocido, pues se encontraba en medio de dos generaciones de compositores húngaros de alto renombre (la generación anterior, con Bartók y Kódaly; y la posterior, con Ligeti y Kurtág),

Fue a realizar un trabajo etnomusicológico sobre la música folclórica rumana, pero después de un año regresó a su antigua escuela en Budapest, y fue nombrado profesor de armonía, contrapunto y análisis musical. En aquel tiempo, las comunicaciones entre Hungría y Occidente estaban controladas por el entonces gobierno comunista, y Ligeti tuvo que escuchar en secreto las difusiones radiofónicas para estar al tanto de los progresos musicales en Occidente.

En 1948, en Hungría, se había producido un aislamiento total de Occidente, incluido a nivel cultural. Por lo que toda la Nueva Música de vanguardia estaba vetada en el país. Sin embargo, Ligeti experimentó musicalmente por su cuenta, sin llegar a publicar estas obras. Este es el caso, por ejemplo, de su Música Ricercata, compuesta entre 1951 y 1953. Escuchamos el tema 2 de Música Ricercata

Gracias a la apertura política, por fin pudo acceder libremente a la música de vanguardia occidental. Sin embargo, ese sentimiento de esperanza que se produjo en Ligeti en un primer momento se vio truncado tras la invasión del ejército de la unión soviética, producida el 4 de noviembre de 1956.

Dos meses después de que el Renacimiento Húngaro fuese aplastado por el ejército soviético, viajó a Viena y finalmente tomó la ciudadanía austriaca. Abandonó definitivamente Hungría junto a la que sería su esposa. Se dirigió primeramente a Viena y, desde allí, a Colonia.

Durante su estancia en Colonia tuvo la oportunidad de conocer a un gran número de compositores, gracias a los cuales descubrió dos de sus grandes influencias: el serialismo integral y la música electrónica. Se puso en contacto con varias de las figuras clave de la vanguardia que no eran conocidas en la aislada Hungría de su tiempo.

Entre ellas, destacaban los compositores Karlheinz Stockhausen y Gottfried Michael Koenig, quienes por aquel entonces trabajaban en la música electrónica.

Se instaló en casa de Stockhausen durante algunas semanas y éste le presentó a Koenig y a Eimert, de quienes también aprendió bastante. Pasaba horas discutiendo con Stockhausen sobre el serialismo, la música electrónica, la música de vanguardia y sobre todo lo que había surgido a partir de la Segunda Escuela Vienesa.

Ligeti se unió a ese esfuerzo en el mismo estudio que había en Colonia, y se inspiró en los sonidos que creaban en dicho estudio. Sin embargo, produjo poca música electrónica propia, concentrándose más en obras instrumentales que pudieran contener aquellas texturas de sonoridad electrónica.

Así Ligeti aplicó esto a la música instrumental a través de cambios rítmicos similares, lo que posteriormente llamaría “micropolifonía”. Durante ocho años, Ligeti trabajó con esta nueva técnica, hasta culminar finalmente con otra de sus obras más conocidas: Lontano. Su obra Artikulation apenas contenía esta idea de “micropolifonía”, todavía en desarrollo; Apparitions aplicó esta técnica como elemento de transición, de cambio progresivo; Atmosphères, sin embargo, contiene de forma íntegra este fondo que se transforma de manera progresiva. La escuchamos.

Si antes hemos hablado de Koenig, vamos a profundizar algo sobre este compositor contemporáneo germano-neerlandés. Entre 1954 y 1964, Koenig trabajó en el estudio electrónico de la Radio Occidental Alemana (WDR) donde produjo sus composiciones electrónicas Klangfiguren, Ensayo y Término 1 y escribió música orquestal y música de cámara.

Además asistió a otros compositores, entre ellos Mauricio Kagel, Franco Evangelisti o Karlheinz Stockhausen (con la realización de Gesang der Jünglinge y Kontakte).

En 1964 Koenig se trasladó a los Países Bajos, donde fue hasta 1986 director y posterior presidente del Instituto de Sonología en la Universidad de Utrecht. Aquí desarrolló sus programas de composición automática Proyecto 1 (1964) y Proyecto 2 (1966), diseñados para formalizar la composición de variantes estructurales musicales.

Ambos programas tuvieron un impacto significativo en el desarrollo posterior de los sistemas de composición algorítmica. Escuchamos Funktion Blau del año 1969

Otro compositor importante que pasó por el estudio de Colonica fue el belga Henri Pousseur el cual trabajó también en el estudio de Milán donde realizó “Scambi” que es una de las primeras obras realizadas únicamente mediante filtrado de ruido blanco

El ruido blanco o sonido blanco es una señal aleatoria) que se caracteriza por el hecho de que su densidad espectral de potencia es una constante, es decir, su gráfica es plana. Esto significa que la señal contiene todas las frecuencias y todas ellas muestran la misma potencia. Igual fenómeno ocurre con la luz blanca, de allí la denominación.  Escuchamos a continuación un extracto de Scambi.

Bruno Maderna fue un compositor y director de orquesta italiano y una de las grandes figuras de la música de su país en el siglo XX. Con sus composiciones, su enseñanza y desde la dirección de orquesta contribuyó a difundir las obras maestras de la vanguardia europea. Junto con Luciano Berio, fundó el Studio di Fonologia Musicale de la RAI en 1955. Vamos a escuchar a continuacion Notturno del año1956.

Seguimos con Luciano Berio, compositor italiano clásico. Es reconocido por su trabajo en la música experimental, particularmente su Sinfonía para orquesta, y también fue un pionero en la música electrónica. Escuchamos Momenti del año 1960.

Luigi Nono fue otro compositor italiano que se especializó en la música contemporánea. Sus obras más conocidas son Il canto sospeso (con lectura de cartas de partisanos condenados a muerte en la lucha contra el fascismo), Epitafio para Federico García Lorca (para voz recitante, cantantes y orquesta) e Incontri (Encuentros), para 24 instrumentos.

A partir de 1954, Nono experimentó un creciente interés hacia la música electrónica. Sus primeras composiciones incluyeron un trabajo sobre banda magnética que data de los años 1960,  escuchamos un extracto de Musiche Per Manzú del año 1969.

Casi para terminar el capítulo 8 escuchamos al argentino Mauricio Kagel , compositor, director de orquesta y escenógrafo argentino.

Residente en Colonia desde 1957, Kagel es autor de composiciones para orquesta, voz, piano y orquesta de cámara, de numerosos obras escénicas, de diecisiete películas y once piezas radiofónicas.

Es considerado como uno de los más relevantes compositores postseriales y de música electrónica de finales del siglo XX.

Se le relaciona principalmente con el teatro instrumental, usando un lenguaje de corte neodadaísta, renovando el material sonoro, empleando instrumentos inusuales y material electroacústico y explorando los recursos dramáticos del lenguaje musical —tanto en sus piezas radiofónicas, películas y obras electroacústicas como en sus recreaciones de formas antiguas. Kagel destaca por su elaborada imaginación, por su extraño humor y por su habilidad para hacer música con casi cualquier idea o sistema, lo que le ha permitido montar poderosos y sorprendentes dramas en el escenario y en la sala de conciertos. Escuchemos Transición 1 del año 1958.

Cerramos el capítulo de hoy con  La Monte Young, compositor y músico estadounidense, generalmente reconocido como el primer compositor minimalista. Sus obras han sido incluidas entre las obras más importantes y radicales después de la Segunda Guerra Mundial. Tanto sus composiciones proto-Fluxus como minimal ponen en tela de juicio la naturaleza y la definición de música.

La música minimalista es un género originario de Estados Unidos que se cataloga como experimental que empezó a ser creada en los años sesenta basada en la armonía consonante, en pulsos constantes, en lo estático o en las lentas transformaciones, a menudo en la reiteración de las frases musicales

Este movimiento empezó a comienzos de los años 60 como un movimiento en los espacios alternativos de San Francisco y pronto se empezó a oír en Nueva York, el minimalismo se expandió hasta ser el estilo más popular de la música experimental del siglo XX.

En sus inicios llegó a involucrar a docenas de compositores, a pesar de que sólo cuatro de ellos lograron relevancia – Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass, y ―con menos visibilidad La Monte Young. En Europa sus mayores exponentes son Michael Nyman, Gavin Bryars, Henryk Górecki, Arvo Pärt o Wim Mertens entre muchos otros.

La Monte Young ha compuesto obras con solo una nota en 1960, como la que va a sonar a continuacion -7(for two candles). Con este tema nos despedimos hasta el próximo capítulo. Bye.