Inicios de la música experimental y electrónica, juntas o por separado – capítulo 17 (y último)
Esta semana terminamos nuestro monográfico dedicado a los inicios de la música experimental y electrónica, juntas o por separado. Nos dejamos en el tintero bastantes artistas y músicos pioneros pero no nos ha dado tiempo para más.
Comenzamos con Max Matthews, pionero de la música por ordenador. Max Mathews nace en Nebraska el 13 de noviembre de 1926. Es conocido como uno de los pioneros de la música hecha con computadoras como hemos dicho antes, escribió el primer programa capaz de sintetizar sonido y reproducirlo, llamado Music, en un ordenador 100.000 veces más lento de los que disponemos hoy en día . Generaciones posteriores de su programa evolucionaron a Csound, Cmix y, naturalmente, Max, un lenguaje de programación visual, ubicuo en el contexto de la música electrónica y el arte sonoro y multimedia actual, bautizado así como tributo al mismo Mathews. Más tarde, concibió asimismo Radio Baton, un controlador gestual desarrollado por Nintendo, Sony y Microsoft.
Para 1974 estaba trabajando en el legendario instituto de ciencias de la música IRCAM en Francia, donde conoció a Miller Puckette, con quien creo Max/MSP. La parte que da nombre a Max es nombrada así por Max Matthews, mientras que MSP son las siglas del nombre completo de Puckette.. El uso de los portátiles en actuaciones musicales (en vivo y en estudio) es constante y sigue incrementando en la música electrónica y muchos otros estilos. Max/MSP y Max/Jitter han recibido mucha atención como un entorno de desarrollo profesional para los que quieren hacer música electrónica y vídeos en sus portátiles e incorporarlos en sus shows.
Como curiosidad Daisy Bell (Bicycle Built for Two)”, es un viejo número de 1892 compuesto por Harry Dacre que se convirtió en 1961 en la primera canción que pudo cantar una computadora. En concreto un modelo IBM 7094. John Kelly y Carol Lockbaum programaron los vocales de la computadora y el acompañamiento musical lo programó Max Mathews.
Esta graciosa interpretación de “Daisy Bell” le inspiró a Stanley Kubrick la maravillosa escena de desconexión de la computadora Hal 9000 en “2001: A Space Odyssey.”
Escuchamos a continuación este tema y a continuación una pieza de Max Mathews titulada «Numerology» del año 1960″
Continuamos con el compositor francés Jean-Claude Risset, uno de los pioneros europeos de la aplicación de la informática a la música. Está considerado uno de los mayores compositores de música electrónica. Su influencia fue decisiva en la creación musical del siglo XX, especialmente en las décadas de 1970 y de 1980.
Risset poseía formación científica y musical y esto le permitió ser el primer compositor francés en utilizar la voz humana como sonido sintético en un ordenador. Gracias a su impulso, se empezaron a utilizar en Francia computadoras en la composición musical. Lo hizo promoviendo su uso en instituciones como el IRCAM y las universidades de Orsay (París) y de Marsella.
Escuchamos su tema «mutaciones» del año 1969
Continuamos con John Chowning, compositor, músico, inventor y profesor estadounidense, conocido por su trabajo en la Universidad Stanford y por su invención de la síntesis de FM mientras trabajaba allí.
John Chowning, como hemos dicho antes, es conocido por haber descubierto el algoritmo de la síntesis de FM en 1967. En la síntesis de FM (frecuencia modulada), tanto la frecuencia portadora como el frecuencia de modulación se encuentran dentro de la banda audible. En esencia, la amplitud y la frecuencia de una onda sonora modulan la frecuencia de otra onda, lo que produce una nueva forma de onda resultante que puede ser periódica o no periódica, dependiendo de la relación entre las dos frecuencias.
El avance de Chowning permitió timbres sencillos pero ricos, que sintetizan desde golpes de metal y sonidos campaniles y que parecen muy similares a instrumentos de percusión reales. (Chowning es también un experto percusionista).
Escuchamos a continuación «Stria» del año 1977 , una de las obras más famosas de Chowning.
Fluxus es un movimiento artístico de las artes visuales en especial, pero también de la música, la literatura y la danza. Tuvo su momento más activo entre la década de los 60 y los 70 del siglo XX. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como un movimiento artístico sociológico. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas. Este movimiento tuvo expresiones en Estados Unidos, Europa y Japón.
Según Maciunas «fluxus arte-diversión debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional»
Como Dadá, Fluxus escapa de toda tentativa de definición o de categorización. La complejidad de los conciertos Fluxus y la colaboración de artistas de la talla de Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik y Charlotte Moorman desembocaron en interpretaciones que transmitían una visión muy especial e inconformista de la vida.
Los conciertos Fluxus no son placeres auditivos de alta fidelidad y sintonía fina. No se produce una armonización acústica a través de unos bajos precisos, de unos tonos medios naturales y de tonos concomitantes cristalinos. Un concierto Fluxus es una experiencia auditiva en la que cualquier objeto, cualquier cosa se convierte en un instrumento. La autenticidad inconfundible de los conciertos Fluxus y la pasión y el poder innovador de los artistas supusieron un cambio profundo en la expresión del arte.
Vamos a escuchar a continuación «My Jubilee ist Unverhemmet» del año 1977, tema incluido en el recopilatorio Fluxus Anthology del año 1989, compuesto por Nane Juke Paik, compositor y videoartista surcoreano de la segunda mitad del siglo XX.
Trabajó en el laboratorio de investigación de música electrónica de Radio Colonia, y participó en los grupos Happening y Fluxus. Escuchamos a continuación esta pieza.
Esta pieza está influenciada por el compositor, teórico musical y pintor austriaco de origen judío Arnold Schoenberg. Es reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición atonal, y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en series de doce notas, abriendo la puerta al posterior desarrollo del serialismo de la segunda mitad del s. XX. Además, fue el líder de la denominada Segunda Escuela de Viena.
Escuchamos a continuación una pieza corta de Arnold Schoenberg del año 1913 incluida en su set de seís piezas cortas para piano, concretamente la segunda.
En el recopilatorio antes mencionadao también se encuentra Allison Knowless, artista estadounidense reconocida principalmente por ser una de las principales creadoras dentro del colectivo Fluxus. Su obra es destaca por la elaboración de performance a partir del uso de sonido, instalaciones, actuaciones, publicaciones, entre otras.
Contrae matrimonio con el artista cofundador de Fluxus, Dick Higgins en 1960. Por lo que la artista se vera implicada dentro de las actividades de dicho movimiento. Viaja y actúa en Europa, Asia y Estados Unidos participando activamente en el grupo.
Escuchamos a continuación Natural Assemblage. Le Vrai Corbeau.
Antes hablábamos de Dick Higgins, integrante del Fluxus Art desde sus comienzos en los 60s., fue músico, poeta experimental, accionista, traductor y catedrático de arte. Su campo académico fue la historia y el desarrollo de la poesía visual y sonora, tema sobre el cual parecía conocerlo todo. Happenings, Fluxus, Intermedia, Something Else Press, Mail Art son algunas de los conceptos asociados a su vertiginosa vida.
Escuchamos a continuación su tema «In memoriam» del año 1961
Robert Filliou fue también un poeta y artista francés, involucrado con el grupo Fluxus.
En 1960 Filliou conoce al entonces bailarín y poeta Daniel Spoerri con quien publicará los Pièges à mots (1964), una serie de montajes visuales que dan cuerpo a las expresiones hechas del habla. En 1962, en el Festival of Misfits (suerte de Salón de los desadaptados) que había organizado en Londres junto con Daniel Spoerri, Filliou monta un dispositivo para componer poemas: un par de ruletas hechas con ruedas de bicicleta rodeadas de palabras y expresiones. El público asistente puede componer obras efímeras con tan sólo hacer girar las ruedas.
Escuchamos a continuación un breve corte de Robert Filliou llamado «imitando el sonido de los pájaros»
Otro miembro de Fluxus fué el artista checo Milán Knížák, escultor, diseñador gráfico y profesor entre otras cosas. Escuchamos su tema «Broken Music Composition» del año 1979.
El mítico compositor y músico estadounidense La Monte Young también se encuentra en este recopilatorio. Generalmente reconocido como el primer compositor minimalista sus obras han sido incluidas entre las obras más importantes y radicales después de la Segunda Guerra Mundial, calificadas como música experimental o música drone.
Basta mencionar que John Cale, Angus MacLise, Tony Conrad y Walter De Maria, esenciales en la gestación de lo que sería The Velvet Underground, colaboraron en su grupo de los primeros años sesenta The Theatre of Eternal Music, al que Cale y Conrad denominan The Dream Syndicate. Escuchamos un extracto de «Day of Niagara» del año 1965 con Angus MacLise a la percusión, John Cale a la viola, Tony Conrad al Violín y La Monte Young y Marian Zazeela a las voces.
En el recopilatorio ants mencionado también se incluye un extracto de «dream house» del año 1974, álbum de estudio compuesto por La Monte Young, Marian Zazeela, y su grupo The Theatre of Eternal Music colaborando el trompetista Jon Hassell y el trombonista Garrett List . Escuchamos este extracto.
El pintor, poeta, músico y fotógrafo canario Juan Hidalgo también está incluido en este recopilatorio. Encarna el espíritu de las vanguardias, con su afán por borrar los límites y ampliar los márgenes de la creación.
La biografía de Juan Hidalgo está llena de primicias. Es el primer compositor español invitado a los míticos festivales de Darmstadt, el primero en hacer una composición electroacústica española y el fundador de ZAJ entre otras cosas. Vamos a escuchar a continuacion «Tamaran» del año 1974 incluido en esta antología de Fluxus.
Como dijimos antes Juan Hidalgo realizó la primera música concreta española, en concreto en Radio Francia donde fue alumno de Schaeffer. Su título «Etude de stage » Lo escuchamos
Zaj fue un grupo musical de vanguardia español, creado en el año 1964 por los compositores españoles Juan Hidalgo y Ramón Barce, y por el compositor italiano Walter Marchetti.
Zaj se dedicó sobre todo al desarrollo de las músicas de acción. Su gestación, en Milán, entre 1959 y 1963, tiene una importante influencia del neodadaísmo y del zen, así como del pensamiento del compositor estadounidense John Cage, a quien Juan Hidalgo y Walter Marchetti conocieron en Darmstadt en el año 1958. También se ha vinculado la actividad de zaj a la del grupo internacional Fluxus; y, aunque existen evidentes paralelismos y similitudes, no podemos negar la originalidad de las propuestas zaj.
Cuando Hidalgo y Marchetti se establecen en España a partir de 1960, entran en juego una serie de circunstancias que propician el nacimiento del grupo. El impulso vanguardista que se da en este momento afecta tanto a la música como a la literatura y las artes plásticas, cuyas iniciativas entran en contacto.
El grupo zaj nace como un movimiento musical, pero en él intervendrán poetas, pintores, escultores y performers.
En 1967 tienen una actuación en el teatro Infanta Beatriz de Madrid; sólo podrán realizar una de las siete actuaciones previstas, debido al escándalo que supuso el estreno. El público madrileño no estaba acostumbrado a que un intérprete musical se comiera una manzana como única participación en un concierto.
En ese mismo año se incorpora al grupo la performer Esther Ferrer. Entre 1967 y 1972 el grupo se reduce; en 1972 Zaj participa en los míticos Encuentros de Pamplona, tras los cuales deciden realizar sus actividades fuera de España, debido a las presiones e incomodidades del régimen franquista. Desde ese año, Zaj será de nuevo un grupo circunscrito a tres personas: Juan Hidalgo, Walter Marchetti, y Esther Ferrer.
En el día de hoy, hablar de Zaj es seguir hablando de los límites del arte musical, y de las delicadas líneas que separan un arte de otro.
Escuchamos un extracto de audio de un video de una actuación de Zaj en 1965 que encontramos en Youtube
Uno de los integrantes de Zaj fue el italiano Walter Marchetti. La producción artística de Marchetti procede, tanto de la noción contemporánea de la música, como de la transformación de los objetos cotidianos: es en éste terreno de reformulaciones, deconstrucción y repetición donde se mueve el artista italiano. Escuchamos su ruidosa pieza «Osmanthus Frangras» del año 1973.
Steve Reich es un reputado compositor estadounidense. Reich es conocido por ser uno de los pioneros del minimalismo, con John Cage, La Monte Young, Terry Riley y Philip Glass entre otras.
En 1974, Reich comenzó a escribir «Música para 18 músicos», el número de integrantes de su ensemble, una pieza que acabaría dos años más tarde. Seguramente es la obra de Reich que más éxito ha tenido y para muchos, es lo que se llamaría su trabajo seminal (obra artística que produce desarrollos posteriores de importancia).
Esta pieza implicó muchas nuevas ideas, aunque algunas ya fueron escuchadas en piezas anteriores de Reich. La obra se organiza alrededor de un ciclo de once acordes introducidos al principio, seguidos por pequeños trozos basados en cada acorde, y por una vuelta final al ciclo original.
Este fue el primer intento de Reich de escribir una obra para conjuntos mayores, con más ejecutantes, que permitía un mayor alcance de los efectos psicoacústicos, cosa que fascinó a Reich, que ya anotó por esa época que le gustaría explorar esta idea más. Reich comentó que en los primeros cinco minutos, este trabajo contenía más movimiento armónico que cualquier otra obra que él hubiera escrito. Escuchamos estos primeros cinco minutos.
Brian Eno es un reputado y conocido compositor, activista, cantante y productor musical inglés. A lo largo de su trayectoria ha desarrollado trabajos en géneros musicales como el ambient -del que se le considera un pionero-, el glam-rock -con Roxy Music-, y la música electrónica- experimental
Considerado un visionario y un innovador en muchos campos de la música también ha desarrollado trabajos en otras disciplinas artísticas, en especial las instalaciones y las artes visuales.
Escuchamos un extracto de uno de sus primeros discos ambient-experimentales titulado «música para peliculas» del año 1976.
Raymond Murray Schafer es un compositor, escritor, educador, pedagogo musical y ambientalista canadiense, reconocido por su «Proyecto del Paisaje Musical del Mundo», preocupaciones por la ecología acústica, y su libro The Tuning of the World (de 1977)
Además de introducir el concepto del paisaje sonoro, en 1969 inventó el término esquizofonía, la separación de un sonido de su fuente. Escuchamos la pieza «Ocean Sounds» del año 1973.
Una colaboradora de Murray Schafer fue Hildegard Westerkamp, una compositora, artista de radio, profesora y ecóloga de sonido canadiense de origen alemán.
De 1973 a 1980, Westerkamp trabajó como investigadora asociada junto con R. Murray Schafer en el World Soundscape Project de la Universidad Simon Fraser. Este trabajo sirvió de fuente para el libro de Schafer The Tuning of the World.
En 1974 comenzó a trabajar como productora y presentadora en la radio cooperativa de Vancouver. A través de su trabajo con Shafer y con la radio, desarrolló un profundo interés y preocupación por el ruido y el entorno acústico, lo que influyó mucho en su estilo de composición. Después de este tiempo, comenzó a experimentar con la grabación, el procesamiento y la mezcla de sonidos ambientales en el estudio de grabación.
Escuchamos el tema «Fantasie for Horns I» del año 1978
Barry Truax fué un compositor canadiense especializado en las implementaciones en tiempo real de la síntesis granular, a menudo de sonidos grabados y paisajes sonoros. En 1986 desarrolló la primera implementación en tiempo real de la síntesis granular. Hizo la primera obra hecha con síntesis granular hecha con base en sonidos pregrabados, Wings of Nike en 1987 . La escuchamos
También fue el primer compositor en explorar el área entre la síntesis granular sincrónica y asincrónica en Riverrun, de 1986. La técnica en tiempo real junto con los paisajes sonoros forman parte importante de su estética. Truax enseña música electroacústica, música por computador y comunicación acústica en la Universidad Simon Fraser en Canadá. Fue uno de los miembros fundadores junto con Raymond Murray Schaffer del World Soundscape Project, proyecto a nivel mundial cuya finalidad es registrar los paisajes sonoros actuales que están cambiando a un ritmo acelerado como consecuencia de la contaminación acústica. Además de preservar los entornos sonoros, también llevan a cabo una militancia activa contra la contaminación acústica.
Escuchamos Riverrun de 1986 de Barry Truax.
Ruth Crawford Seeger fue una compositora y etnomusicóloga estadounidense.
Reconocida especialista en la música folclórica y popular norteamericana, colaboró con Alan Lomax en dos importantes antologías durante la década de 1940 (Our Singing Country, 1941, y Folk Song: USA, 1947) y editó otras en solitario hasta su muerte. Antes de esto se dedicó principalmente a la composición.
Participó activamente en la difusión de la música contemporánea y fue una de los fundadores de la Sociedad Internacional por la Música Contemporánea. Una beca concedida por la fundación Gugenheim, en 1930, le permitió pasar una fructífera temporada en Europa, donde entró en contacto con los compositores más relevantes de la época, tales como Bela Bartók, Arnold Schönberg o Alban Berg entre otras, y además consiguió que su propia música fuera conocida fuera de América.
Su actividad creativa puede dividirse en dos etapas: de 1924 a 1929, en la que, influida por la obra de Aleksandr Skriabin, experimentó con la atonalidad y los ritmos irregulares, y de 1930 a 1933, en que participó de la música serial. Escuchamos Music for Small Orchestra del año 1926.
Cambiando completamente de tercio vamos a cerrar este último capítulo sobre los inicios de la música experimental y electrónica – juntas o por separado- con Laurie Spiegel, compositora originaria de Estados Unidos. Ha trabajado en Bell Laboratories en gráficos de computadoras, y es conocida principalmente por sus composiciones de música electrónica y su software algorítmico de composición Music Mouse. De igual forma toca la guitarra y el laúd.
Spiegel ha sido denominada como una pionera de la escena musical de Nueva York. Se retiró de esta escena a principios de la década de 1980, creyendo que el enfoque que tenía había cambiado del proceso al producto artístico. Mientras seguía en la creación de software, Spiegel utilizó la tecnología en la música como un medio para superarse a sí misma, más que un objetivo en sí mismo. Escuchamos «The Expanding Universe» del año 1980.
Con Laurie Spiegel nos despedimos hasta el próximo programa. En las locuciones estuvo Susana Sánchez y en la selección musical, control y edición de sonido César Pradíes. Hasta el próximo programa.